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La Magia de Poder Cambiar.

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Comunicaciòn y Buen Humor Productivo

martes, 17 de septiembre de 2013

MARTES 17 de SETIEMBRE

Hoy es el día de Puerto San Julián en Santa Cruz

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UN FELIZ DÍA PARA TODOS MIS AMIGOS DE ESA LOCALIDAD

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ESTANCIA LAS MARÍAS, CUEVAS RUPESTRES COMO ATRACCIÓN TURÍSTICA

PRIMER POSTEO DE LA ETAPA “BORGIANA”

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En TRELEW, ciudad ombligo del mundo, y en el marco de este nuevo prototipo de ficción y simulación que encaramos con LIVE la escuela de Líderes Vecinales y con el auspicio de la Red, “disertó” robot por medio, en AULA CERO el especialista en diseño grafico, Enrique Vidal Pacheco de Mérida.

El especialista abordó a fondo la temática que tratamos en el blog sobre el estudio y significados de la interpretación y percepción visual.

Bajo el tema: El diseño gráfico como objeto de estudio y sus significados comenzó así la serie de cafés debate para comprender y echar luz en uno de los temas más apasionantes del mundo de las comunicaciones digitales en internet, es social media y las potenciales herramientas del mundo cibernético.

Dice Vidal Pacheco, columnista del sitio FOROALFA:

Comprender la función del diseño gráfico en la actualidad, involucra a diversas áreas del saber, en la indagación de un entramado fenomenológico de difícil interpretación.

Actualmente, el entendimiento —ordenado y procesado— sobre la información relacionada al mundo del diseño gráfico y sus producciones, incluye una variedad de elementos visuales que el investigador no puede obviar: libros, obras de arte, entramados urbanos, arquitecturas, objetos (domésticos, industriales, lúdicos o estéticos), campañas publicitarias, señaléticas y diseño de modas; conjunto que compone un maravilloso mundo objeto-visual.

La incorporación de la fotografía primero y de las técnicas multimedia después, sumado a los adelantos de la revolución industrial, representaron novedosos componentes estructurales que renovaron las bases de lo entendido como tal, acorde a las exigencias de un sistema de producción editorial floreciente, un mercado de objetos industrializados en ciernes, una ilusoria necesidad estética convertida en moda para la decoración y la exhibición de un mundo artificial emanado de una cultura de masas avasallante.

En este sentido lo más importante antes de poder hablar, aplicar nuevas técnicas, estudiar e investigar con la debida propiedad sobre diseño gráfico, es conocer qué es diseño. Doblemente significativo es que el objeto de estudio se presenta «casi con vida» y en tiempo real frente a todos (incluidos los invidentes y su sistema braille). Lo diseñado, por lo tanto, comunica mucho más cuando se lo tiene ante los ojos (e incluso al oído y tacto). Pero también puede hacerlo a distancia, gracias a las mejoras en la calidad de medios reprográficos, con lo cual se logran avances en la incursión multimedia.

Es recomendable enterarse sobre los procesos de producción que generan su estructura «poética». Para ello, se pueden contactar empresas y talleres tipográficos, editoriales, imprentas, laboratorios de medios audiovisuales y fotográficos, zonas industriales que fabriquen papel y pintura, museos temáticos y si las posibilidades lo permiten, observar técnicas de trabajo de otros diseñadores gráficos.

Se puede visitar su estudio particular, el taller de trabajo grupal o las escuelas donde se imparte docencia. Estudiar modos de proyectar y bocetar, definiciones relacionadas a diversos soportes y formatos, técnicas gráficas de impresión, uso de la fotografía, de herramientas digitales (diseño asistido en computadora), métodos manuales, artesanales o en formato digital 3D, etc. Y revisar al mismo tiempo documentación ilustrada, tarea simplificada gracias a los avances de la tecnología informática y de la red, al alcance de los investigadores.

En este sentido, es necesario recalcar que los variados resultados en diseño gráfico son producto de un autor que trabaja (individualmente o en equipo), y se debate entre el trabajo intelectual  por un lado, y un esfuerzo práctico de ensayo y error por el otro, además de imprimir a su trabajo cualidades intrínsecas de carácter semántico, adquiridas como resultado del perfeccionamiento profesional. Si bien el investigador puede encontrar este proceso complicado de entender, puede prestar atención a esta voluntad en el hacer por parte del diseñador, para así aplicar resultados ya comprobados a sus trabajos, en vía de la solución de un problema planteado como estructura intelectual y creativa.

El diseñador ya consolidado, puede trascender al territorio del arte, sea mediante técnicas tradicionales o digitales, para revertir su función de comunicador y creativo. Cuando reflexiona y decide que su proyecto debe expresarse más allá de lo convencional, es cuando le imprime a éste significados experimentales. Esto es creatividad, una moción en sí misma con un valor dual: crea mensaje al tiempo que diseño. Es en ese momento cuando lo planteado deja de ser sólo un signo primario, pasando de un estado de valores a otro, generando una renovada estructura cognitiva dentro de su cultura transformada en iniciativa o proyecto, que comunica bajo premisas de un nuevo paradigma contemporáneo.

Dentro de este proceso, se debe pensar cómo han influenciado los grandes avances de creatividad y producción en el mundo de la imagen contemporánea —después de la segunda mitad del siglo XX y con mayor intensidad a partir de la década de los noventa, gracias a la incorporación definitiva de los medios electrónicos y herramientas digitales, proceso que gradual e inevitablemente fue aplicado tanto al arte como al diseño gráfico.

EN EL DESCANSO PARA CAFÉ, EL DEBATE DISCURRIO ANIMADAMENTE EN ESTE NUEVO DESAFIO QUE TITULAMOS “OMBLIGO DEL MUNDO” donde la idea es, pasear y convocar imaginariamente a especialistas, famosos, y notables de todo el mundo en las distintas categorías que aborda el sistema de contenidos del blog de la red RADAR.

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En Segundo termino, otro de los convocados que seguimos religiosamente en el blog es: Juanjo Junoy

El tema fue:

Pensar, sentir y hacer: las tres claves de la percepción

Entender cómo percibimos y qué sucede cuando lo hacemos, es clave para elaborar mensajes que sean realmente efectivos y no solo ganen premios de creatividad.

El diseño y la publicidad —como muchas otras formas de comunicación con fines comerciales o de modificación de conductas—, no son simplemente formas de expresarnos, sino que tienen un objetivo ulterior: lograr que las audiencias hagan algo. Se trata de modificar o reforzar sus percepciones con respecto a un producto, bien o servicio. No estoy en contra de los premios, pero creo que el mejor de todos es saber que tu mensaje realmente produjo el efecto deseado: la construcción de una percepción específica.

Las percepciones son el resultado del proceso de sensación (estímulos físicos externos o internos que son procesados por los sentidos y transducidos por el sistema nervioso) y de la experiencia/percepción previa de cada individuo. La mezcla de la información procedente de los sentidos con la preexistente en nuestros cerebros, da como resultado la percepción de algo en específico. El contexto en el que se realiza esta percepción es también definitorio para su resultado. No percibimos aislados de la realidad sino que esta se inmiscuye en nuestra vida de las maneras más sutiles. Existen innumerables ejemplos de la importancia del contexto en el proceso perceptual. En el caso de la comunicación publicitaria, por ejemplo, el contexto puede ser el medio (ya hablaba de esto Marshall McLuhan, cuando decía que el medio es el mensaje). No es lo mismo anunciar un producto nuevo en una revista seria y de prestigio como The Economist, que hacerlo en una de consumo masivo como TVNotas. El producto adquiere las características del entorno, una especie de pátina que lo recubre, el aura del medio.

Lo más importante de todo este proceso es que el resultante de la percepción son tres tipos de respuesta que siempre se presentan y están íntimamente ligadas. Se trata de la respuesta cognitiva (pensar), la afectiva (sentir) y la conductual (hacer). Las tres son fruto de nuestro proceso perceptivo; son inseparables y fundamentales para conformar nuestra manera de ver el mundo y de actuar en él.

Para efectos prácticos, esto significa que debemos tomar en cuenta los tres aspectos (pensar, sentir y hacer) al elaborar una propuesta de diseño o comunicación publicitaria. Para ello, existe una sencilla fórmula que permite establecer los objetivos de la pieza de comunicación, para una evaluación que vaya más allá de los criterios subjetivos; más allá del famoso «me gusta o no me gusta» que tantos dolores de cabeza nos da cuando lo escuchamos en boca de un cliente.

De lo que se trata es de definir la audiencia a la que le vamos a hablar. Tener clara la audiencia es, en mi opinión, el paso fundamental e inesquivable del quehacer de la comunicación. Si no sabemos a quién le hablamos ¿cómo vamos a saber si nuestro mensaje es el correcto? Una vez definida la audiencia, se debe establecer cuál es su «pensar», «sentir» y «hacer» actual con respecto a nuestro producto o servicio y qué es lo que queremos que «piense», «sienta» y «haga» una vez recibido nuestro mensaje.

Realizar este ejercicio puede facilitar el proceso posterior, el establecimiento de objetivos, el desarrollo de una estrategia y, evidentemente, el juicio que hagamos de las piezas creativas desarrolladas. Existen muchas voces en la actualidad que defienden la importancia de las emociones en la toma de decisiones. Y eso es importante, pues antes se creía que las decisiones se tomaban solo racionalmente sin que importaran las emociones. Sin embargo, eso no significa que el aspecto racional no tenga peso alguno en ellas. No debemos inclinar el péndulo hacia el otro lado, sino encontrar el equilibrio. Y eso significa que, tanto nuestros mensajes como nuestra estrategia, deben tomar en cuenta los tres elementos que conforman la percepción: «pensar», «sentir» y «hacer», y definir qué queremos que nuestra audiencia piense, sienta y haga.

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El negocio de las percepciones

Este artículo es parte de una línea de investigación que comparto con Débora Rodrigues y Priscila Lima Pereira.

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El fast fashion es una estrategia de negocios que propone reducir los tiempos de los procesos involucrados en los ciclos de compras, para proveer nuevos productos en los locales de venta, satisfaciendo así la demanda en su pico. Se trata de un modelo pensado desde la presión de consumo. Nace del concepto de product-driven, que desencadenará en el quick-response, ideado por la industria textil norteamericana en los años ochenta para responder a la pérdida de competitividad por los costos de producción relativos, y a un cambio en el lifestyle del consumidor, que demanda novedades constantes. Así, la industria de la moda se transforma para mantener la competitividad, agregando a variables preexistentes, como el precio, la capacidad de actualizar el stock.

El neoliberalismo es una teoría de política económica que propone que el bienestar general se logra al liberarse las libertades individuales, en una estructura institucional caracterizada por fuertes derechos de propiedad, libre mercado y libre comercio. El neoliberalismo valora la economía de mercado como una «ética» en sí misma, capaz de actuar como guía de las acciones humanas.

Esto requiere la creación de tecnologías de información para acumular, transferir, analizar y usar grandes bases de datos para guiar las decisiones en el espacio global, haciendo con que emerja la «sociedad de la información». Estas tecnologías han comprimido la creciente densidad de las transacciones en el mercado tanto en el espacio como en el tiempo. Cuanto mayor la banda geográfica (énfasis en globalización) y más cortoplacista los contractos, mayor la ventaja.

Entre sus principales características se destacan la nueva expansión en el tiempo y el espacio: a pesar de la existencia de una escala global en las economías hace siglos, los neoliberales encuentran nuevas áreas de mercantilización, lo que los diferencia del liberalismo clásico. Los liberales clásicos no iban creer que un mercado es menos libre porque sus tiendas cierran a la noche: la expansión de las horas de comercio es una política neoliberal. Para ellos, una economía de 23 horas es injustificable, o sea, nada menos que una economía de 24 horas puede constantemente expandir el mercado y sus márgenes.

La velocidad de transacción es aumentada. La compra online es costosa, aunque esté disponible gratuitamente con cinco minutos de atraso. Las compañías son tan rápidas que después de estos cinco minutos, que repasan estos datos como forma de anuncio. Negociadores compran y venden esos minutos. Programas automatizados, donde el computador está ligado directamente al mercado de acciones efectúan la operación.

Como se podría esperar de una filosofía, el neoliberalismo ofrece respuestas a cuestiones tales como el por qué existimos y qué debemos hacer. Existimos para el mercado y debemos competir. Así, toda la vida social se regla por los principios maximizadores del mercado, y el que estas «transacciones» no sean monetizadas, demuestra cómo el neoliberalismo actúa más allá de la economía. Redefinimos nuestras preferencias que son caracterizadas por el corto plazo en instituciones relativas a la cultura, profesión, sexo, emoción, familia, dominios internacionales, política y, claro, la moda.

No es coincidencia que el fast fashion haya empezado a desarrollarse en el periodo en que el neoliberalismo conquistaba legitimidad en el escenario político económico internacional. Economías sumergidas en las crisis del petróleo y de las deudas de la década del 70, buscaban soluciones a sus sistemas y las condicionalidades del FMI, traducidas por el Consenso de Washington cobraban reformas institucionales que impactarán en las elecciones de los agentes.

Esas reformas transformaron el lifestyle del consumidor, cambiando también su patrón de demanda. La transformación de los agentes consumidores, que actúan ahora en el corto plazo, maximizan sus elecciones, detienen información (demandando nuevos productos en lapsos temporales cada vez menores), impacta en la organización de la cadena productiva. Responder a la demanda eficientemente es el modelo de negócios de éxito de los retailers de moda en la actualidad. El fast fashion surge, así, desde esa mirada, como consecuencia de la demanda y no como fenómeno de la transformación del concepto de la oferta.

Sin embargo, en un breve análisis de la transformación de la cadena productiva desde la teoría neoliberal, queda claro que la presión por la expansión de los mercados en infinitos lapsos temporales, es una presión de eficiencia originada en la oferta. Control de stocks, impulsados por el método toyotista (que ganó fuerza a partir de los 70), permite una mejor reacción a la formación de precios. Mejores sistemas de información, que posibilitan una mayor previsión de mercado (traducido por la investigación de tendencias, materias primas y consumo) reducen esas asimetrías de información. La internacionalización de las marcas y de las ventas on-line expanden mercados.

La cadena productiva se transforma para aumentar sus márgenes, sistema practicado por todos los sectores de la economía y no solo de la indústria de moda. Así, hay una presión de la oferta para que cambie la demanda, la cual tiene ahora que consumir lo que la indústria ofrezca. Novedades quincenales en los retailers (modelo tradicional), impulsadas por una exposición creciente del consumidor a la información de moda (multiplicación de editoriales y revistas especializadas, blogs y websites en la actualidad) preparan al consumidor para la expansión de sus compras, en un modelo que establece que lo que se viste hoy ya estará desactualizado mañana.

Se puede concluir en que en el fast fashion, la oferta ha sido esencial en alimentar el deseo del consumidor, no como sujeto que reacciona al cambio, sino como variable fundamental que integra e impulsa el modelo. Así, el giro hacia el concepto de quick response puede ser entendido como consecuencia de un aumento en la eficiencia y la formación de precios, y no limitadamente a una respuesta a la demanda marginal.

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Sebastián Vivarelli

 

Escuchar imágenes, mirar música

Sobre la relación entre las partes, el todo, y los procesos creativos en cine, música y diseño.

«En el mundo biológico, cada célula de nuestro organismo contiene la totalidad de la información genética de ese organismo».

Edgar Morin: Introducción al pensamiento complejo1

En la serie televisiva «Mad Men»,2 el equipo creativo muestra sus ideas al director, a lo que éste responde: «Tenemos los ladrillos, pero todavía no logro ver el edificio». Frase que evidencia la fragilidad que constituyen las partes sueltas que no conforman un todo integrado. Y es que, una de las formas de diseñar un programa de identidad corporativa aún presente en nuestros días y que se sigue enseñando en la mayoría de las instituciones educativas, se basa en la repetición de la marca gráfica –casi a modo de sello- en los distintos soportes. Forma de trabajo cuya prioridad es la resolución del logo, para luego replicarlo en gráfica, vehículos, uniformes y todo aquello que necesita ser «marcado».

Esta concepción de la identidad corporativa, se volvió insuficiente ante nuevas demandas de desarrollos complejos, en los cuales ya no alcanza con posicionar al logo en un primer plano. Las necesidades actuales de diferenciación en un contexto saturado de identidades, requieren establecer una programación sólida de la comunicación, más orgánica y menos mecánica.

«La consistencia de los componentes de la identidad que integran el sistema, y que son sistemáticamente utilizados por la empresa a través del tiempo y los soportes materiales, es la base de su notoriedad, su valoración y su fijación en el imaginario colectivo».

Joan Costa3

Lo que comunica identidad entonces —además de la marca gráfica—, puede ser un color o paleta cromática, una familia tipográfica, un estilo discursivo, un tratamiento fotográfico, un abordaje particular del espacio, o la combinación de ellos. Es decir, la suma de todas las voces. Sin dejar de avalar la autenticidad del emisor, hace tiempo que la marca gráfica dejó de ser unipersonal.

Partiendo de esta metodología, se pueden analizar procesos creativos de otras disciplinas, y trasladarlas, al menos en parte, al diseño de sistemas gráficos.

Ecualizar imágenes

El curso de identidad corporativa dictado por Javier Bernardo,4 propone un interesante paralelismo entre la composición de un disco y el diseño de un sistema de identidad visual. Tomando como modelo la ecualización de instrumentos musicales (guitarra, batería, bajo, teclados) se propone al alumno definir y estructurar relaciones entre los diversos elementos (colores, tipografías, fotografías, grillas) que integrarán el futuro sistema. Es decir, decidir la jerarquía y las relaciones visuales de cada uno en relación a: el perfil de identidad corporativa, el tono comunicacional, el mapa de públicos al que se dirige, a la función y condicionantes de cada soporte. Tarea compleja de modulación que implica pruebas, retrocesos, avances (rompiendo con la idea del avance en línea recta) hasta conformar un conjunto armónico, en el cual cada parte conserve su especificidad sin disociarse del sistema. Esto es, desarrollar un lenguaje o clima visual, de la misma manera en que un disco alcanza un estilo sonoro definido y reconocible.

Desmontando films

La propuesta planteada anteriormente encuentra similitudes con ideas desarrolladas en textos de cine. En ellos los autores destacan la importancia del análisis y relación de las partes de un sistema audiovisual; llevando a cabo una tarea cercana al oficio de la relojería o a la ingeniería inversa. Y si bien algunos de los elementos de un filme difieren de los de un sistema gráfico, algunas analogías pueden resultar productivas.

· Fabían Bielinsky,5 cuenta sobre su film El aura: «Los procesos de edición y de sonido, colorización y todo lo demás, obligan a ver la película con un nivel de obsesión absurdo, de atrás para adelante, de adelante hacia atrás, cada plano, cada cuadro». Agregando: «El género no tiene sólo que ver con los elementos de los que se nutre, sino con la forma en que esos elementos se combinan entre sí. Y eso tiene que ver con ritmos, con tiempos, con armonía de estructura.»

· Serguéi Eisenstein,6 en su artículo «En plano detalle»: «Existe otra forma de analizar una película. Se trata del examen en plano-detalle: a través del prisma de un análisis atento, separado en piezas, con todos los engranajes desmontados, descompuesta en elementos y estudiada del mismo modo como lo hacen los ingenieros y especialistas, con un nuevo modelo de construcción. Sin esta crítica no es posible el desarrollo, la evolución, ni la elevación constante de nuestro trabajo.»

· Andréi Tarkovski,7 sobre su film El espejo: «El material cobró vida y las partes de la película entablaron relaciones funcionales mutuas y se unificaron hasta formar un sistema preciso. Para poder llegar hasta una unión orgánica y adecuada de las secuencias y partes, tan sólo era necesario dar con la idea fundamental, con el principio de la vida interior del material filmado».

Si bien de distintas nacionalidades y representando estilos diversos, los autores coinciden en destacar la importancia de mirar con atención, analizar y programar las relación entre partes, hasta alcanzar la estructura que mejor refleje (exprese) la esencia del filme.

Ampliar la mirada
Analizar y trasladar metodologías de otras disciplinas al campo del diseño, ayuda a formar un profesional más integral. Un diseñador analógico capaz de encontrar múltiples conexiones (las mismas lógicas y patrones en diferentes temas) allí donde la mirada especializada se reduce a parcialidades. Un diseñador clínico que piensa los problemas más allá de su órbita disciplinar. Alguien con un mirada sistémica, capaz de visualizar la totalidad más que elementos dispersos. Un conjunto de condiciones que en definitiva amplían la mirada de nuestra actividad permitiendo un ejercicio nutrido de mayor certidumbre, eficacia y consciencia. Una parte esencial del todo que conforma nuestra disciplina.

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EJERCICIOS DE PRACTICA DE HÁBITOS RUTINARIOS COMO ANCLAJES PARA ESTIMULAR LA ASOCIACIÓN DE CONCEPTOS EXTERNOS AL PROYECTO PROPIO.

SINCRONÍA, SINTONÍA, COORDINACIÓN DE IDEAS

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Cristina Fernández de Kirchner encabezó la celebración por el Día de la Industria con la presencia de funcionarios del gabinete nacional, representantes de empresas, cámaras empresariales y sindicalistas.

Participaron un total de 3.500 invitados, El Presidente de ARBIA Osvaldo Francés compartió la cena con el Jefe de Gabinete Juan Manuel Abal Medina, donde por más de dos horas hablaron como compañeros que son de distintos temas políticos y sobre el avance de la ley de medios en el territorio nacional.